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2024. 4. Vol. 176

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춤, 현장

기획_공공재단 기획형 지원사업 진단(3) 2017 창작산실 지원사업

다양한 양태, 명확한 주제의식

김인아_<춤웹진> 기자

　창작 활동의 활성화를 목적으로 추진된 창작산실 지원사업은 지원규모나 방식에 있어 기존 사업과 차별화된 정책으로 예술계의 이목을 집중시켜왔다.
　2015년부터 한국문화예술위원회의 주최·주관으로 운영주체가 이관되면서 전 장르를 통합지원하는 안정적인 환경을 갖추었고, 시범공연지원사업(쇼케이스), 우수작품제작지원사업(우수작품 공연), 우수작품재공연지원사업(재공연) 등 3단계 연계사업의 큰 틀을 유지하며 운영되었다.
　올해는 전 장르에서 총 177개 단체·개인이 창작산실 지원사업의 문을 두드렸다. 1차 심의에서 지원신청서 및 영상 검토, 심층토론 과정을 통해 총 35개 단체·개인이 선정되었으며, 2차 심의에서는 실연심의, 질의응답 인터뷰, 심의위원 심층토론을 거쳐 총 28개 단체·개인이 최종적으로 창작산실 지원사업 ‘올해의 신작’으로 선정되었다. 심의과정에서 눈길을 끈 것은 새롭게 도입된 ‘관객평가단’ 제도다.
　지난해 4월 이뤄진 2차 심의에서 무용분야는 올해의 신작 후보작으로 대극장 9개 작품, 소극장 7개 작품 등 총 16개 작품이 규모에 따라 차등으로 제작비를 지원받고 동일한 무대·조명·음향의 조건을 제공받아 20분간 실연심의를 거쳤다. 이 과정에서 전문 심의위원의 평가와 더불어 점수화된 관객들의 평가의견 일부(10%)를 최종 선정에 반영한 점이 특기할 만하다. 또한, 지난해 신설된 '공연예술창작산실 창작실험활동지원'은 공연 전 창작 아이디어 개발과 리서치, 창작준비를 위한 워크숍, 타 장르와의 협업 등 프리 프로덕션 과정을 지원하기 위한 사업으로 그동안 창작 현장에서 꾸준히 제기되어 왔던 ‘창작과정 지원’에 대한 요구가 적극 반영된 것이다. 이는 창작산실 사업의 지원범위 확장과 함께 보다 단계적이고 체계적인 지원으로 변화, 발전시켜 나가는 데에 의미를 갖는다.
　2017 창작산실 지원사업의 핵심이라 할 수 있는 우수작품제작지원사업 무용부문 ‘올해의 신작’에 8개 작품이 최종 선정되었다. 대극장 공연 4개 작품에 5천만원에서 5천 7백만원까지, 소극장 공연 4개 작품에 3천 2백만원에서 4천 5백만원까지 공연 제작비가 차등 지원되었고, 공연장 대관과 통합 홍보, 실황 영상/사진 촬영, 관객 모니터링, 작품자료집 제작 등의 간접지원이 뒤따랐다.
　2017년 12월 8일부터 올해 1월 14일까지 아르코예술극장과 대학로예술극장에서 펼쳐진 올해의 신작 8편은 2-3일의 기간, 2회에서 최대 4회까지 공연되어 여유로운 관람이 가능했다. 한편, 발레 1편을 제외한 나머지 7편이 모두 현대무용 작품으로 편성된 점을 미루어 보아 심사과정에서 장르별 쿼터제를 고수하지 않았음을 짐작할 수 있다.

　무용분야 ‘올해의 신작’

　그라운드제로 프로젝트의 〈Perfect death〉는 안무가 전혁진의 죽음에 대한 진지하고 심오한 고찰이 담겨 있다. 죽음을 앞둔 순간, ‘완벽한 죽음’에 이르는 마지막 노력이란 무엇일까? 작품은 지난날을 반추하고 용서, 회계, 사랑, 인내와 같은 감정으로 현재를 정리하는 조용한 의식과 같다. 그렇게 마지막을 준비하는 한 인간의 자화상은 60분 내내 차분하고 경건한 분위기 속에서 그려진다.
　움직임에 화려함이나 강렬함은 찾을 수 없다. 군더더기를 배제한 미니멀한 움직임이 작품 전반을 짙게 누른다. 같은 동작에서부터 변주를 더해가는 남성 2인무는 전작 〈동행〉에서의 장면을 떠오르게 하고, 마지막 부분 뒤틀리다가 일순간 경직되며 정지하는 전혁진의 독무에서는 〈아가페〉의 그로테스크한 색채가 묻어나기도 한다. 특히 이리저리 방향을 달리하는 손짓을 쫓아 몸 전체가 움직이는 마지막 장면의 독무는 죽음 앞에 침잠해가는 내면의식처럼 매우 깊고 섬세해 관객의 몰입을 극대화시켰다.

　설치미술, 사진전, 댄스필름 등 다양한 형태의 창작 작업을 추구해온 안무가는 작품이미지를 견고히 할 색다른 장치들을 마련해 놓았다. 블랙박스 극장의 가변성을 활용해 무대와 객석의 위치를 뒤바꿔놓았기 때문에 관객은 백스테이지를 거쳐 객석으로 입장하는 생소한 경험으로 관람을 시작했다. 어두운 무대에 이따금씩 더해지는 미세한 빛과 스모그가 심미감을 돋우는 한편, 벽면을 움직여 노출시킨 뒷면에 꽂힌 한 그루의 마른 나무는 철저히 혼자일 수밖에 없는 삶의 마지막, 죽음에 직면한 고독하고 외로운 정서를 시각 이미지로 형상화한 독특한 무대미술이었다.
　숨소리, 심장박동소리와 같은 음향, 추상적인 내용의 독백 나레이션과 더불어 쇼팽의 녹턴, 바이올린 콘체르토 등 클래식의 변주가 깊고 무거운 분위기를 조성했다. 마지막 장면, 여생을 정리한 듯 옷매무새를 가다듬고 무대 뒤편으로 발걸음을 옮기는 전혁진과 동시에 조명도 사그라지는데, 암전의 상태에서도 한참동안이나 라이브연주로 울려 퍼진 바흐의 무반주 첼로 모음곡은 긴 여운을 남겼다.

　최상철현대무용단의 〈혼돈〉은 빅뱅 이후 전개되는 혼돈과 질서, 그리고 현실에서 볼 수 없는 낯선 세계를 담아냈다. 프로그램 북은 아담과 이브, 갈등과 분열, 균형 잡힌 관계와 질서, 유토피아라는 4가지 키워드를 제시했으나 이것이 순차적인 구성인지 확실하지 않다. 다만 이미지 위주로 구성된 장면들이 모호하게나마 혼란과 질서로 대별되는 전후반부의 분위기로 감지될 뿐이다.
　작품에서 등장하는 빨강의 존재는 현실 너머 추상적인 것을 형상화한 것으로 안무자는 이를 “물질, 태양, 5차원의 고주파, 신의 신성과 동물의 수성, 그리고 때로는 유토피아로 이끄는 매개적 역할“로 질서를 만들어나간다고 하였다. 그러나 드라마트루기가 배제된 장면의 나열 속에서 빨강의 존재는 전동 휠을 타고 무대를 자유자재로 활보할 수 있는 동떨어진 세계의 형상일 뿐 조율과 조화를 이뤄가는 전능한 신의 역할을 수행한다는 생각을 갖기 어려웠다.
　〈혼돈〉은 현대적 감각 위에 한국적 정서를 전면에 내세운 음악과 의상, 조명에서 빛을 더한다. 무게감이 더해진 현악, 리드미컬한 타악, 구성진 구음과 다양한 효과음으로 한국적 색채와 신비함을 유지하는 김재덕의 음악은 분위기의 완급을 조절하는 데 탁월하게 기여했다. 상투를 튼 머리, 상의 없이 입은 바지와 치마, 허리춤이 봉긋 올라선 치마 등 한복을 변형한 다양한 의상이 볼거리를 만들어주는 한편 장면에 따른 색감으로 디자인된 조명이 조화를 이뤄 각각의 장면에 힘을 실었다. 오른쪽 팔꿈치를 올려 일정하게 튕긴다든지, 허리를 숙인 채 제자리에서 일정한 발구름을 하는 동작절은 김재덕의 음악과 맞물려 어딘지 전미숙무용단의 〈BOW〉를 연상케 했지만, 작품 전반에 흐르는 깔끔한 움직임과 군무 에너지는 인상 깊었다.

　김모든컴퍼니의 〈물속 골리앗〉은 김애란 작가의 동명소설을 원작으로 만들어졌다. 소설에서 주인공 소년은 긴 장마로 인해 잠겨버린 세상에서 홀로 남아 표류하는 작고 연약한 존재다. 피할 수도 맞서 싸우기도 힘든 재난 앞에 속수무책일 수밖에 없는 인간의 모습에서 두려움이 엄습해온다. 어마어마한 홍수가 세상을 덮친다는 이야기는 현실에서 거대 권력 앞에 무력한 한 인간, 위험에 무방비로 노출된 소외계층의 불안함과 다르지 않다. 안무가 김모든은 원작의 내용을 확장하여 사회 규범 안에서 개인의 의미가 무엇인지 질문하고 이러한 고민을 작품에 투영하고자 했다.
　Nancy Sinatra의 경쾌한 팝 ‘Sugar Town'이 어느 샌가 선명함을 잃고 물속에서 듣는 것처럼 공명(共鳴)하고 있을 때 세 명의 무용수들이 정지한 채로 무대에 등장했다. 음향은 장면을 전환하고 분위기를 이끄는 데 주요하다. 거센 바람소리는 천장에 매달린 크레인의 상부를 닮은 무대세트와 무용수들을 진자운동을 하는 그네처럼 좌우로 흔들리게 하고, 폭우 소리는 물속에서 발버둥치는 나약한 인간을 묘사하듯 쓰러지고 엎어지는 처절한 움직임을 반복하게 한다. 벽장에서 물이 담긴 페트병이 쏟아져 나오면서 이윽고 세상은 물에 잠겼다. 생명을 잃은 자와 홀로 남은 자가 보여준 마지막 10분 동안의 처연한 듀엣은 보는 이의 감정의 증폭시킨 명장면이었다.
　안무가는 댄스필름을 제작했던 창작 역량을 무대 위에 쏟아냈다. 텍스트 기반의 소설을 움직임의 무용으로 재현하는 과정에서 흡입력 있는 내러티브를 놓치지 않고 관객의 공감을 불러일으키는데 성공한 것으로 보인다. 골리앗과 같은 재난 앞에서 우리는 과연 다윗이 될 수 있을까? 작품의 열린 결말처럼 저마다의 질문과 생각으로 공연장을 나서는 관객의 모습은 모처럼 활기를 띄고 있었다.

　이번 창작산실의 유일한 발레 공연인 〈Baroque goes to present〉는 와이즈발레단의 홍성욱이 안무한 작품이다. 바로크 시대로 시간여행을 떠나게 된 현대 작곡가의 여정을 이야기 삼아 바흐, 헨델, 비발디와 같은 바로크 음악을 배경으로 클래식발레와 모던발레가 어우러진 장면을 펼쳐 보였다.
　창작의 고뇌를 연기하는 현대 작곡가의 모습으로부터 작품이 시작된다. 악보를 형상화한 무대바닥의 오선과 그 위에 음표처럼 자리한 10명의 무용수들이 선보이는 부드러운 움직임은 서정적인 현악의 선율에 따라 바로크 음악의 세계로 인도하는 듯하다. 특히 우리에게 꽤 친숙한 비발디의 '사계' 가운데 여름을 배경으로 하이라이트 조명 아래 빠른 움직임으로 무용수 각각의 개성과 에너지를 발산시키는 장면에서 현대발레의 세련미를 한껏 드러냈다.
　확고한 베이스 위에 선율을 강조하는 바로크 음악의 특징처럼 군무와 솔로, 클래식과 현대발레 테크닉을 대비시키는 장면 배열의 섬세한 감각이 돋보였다. 반면, 아름다운 몸 어법의 정형성에 갇혀 실험적이고 신선한 움직임을 찾기 어려웠던 점은 아쉬움으로 남는다.

　김남식 & Dance Troupe – Da의 〈봄 여름 가을 겨울 그리고... 봄〉은 김기덕 감독의 동명영화를 원작으로 창작되었다. 사계절의 변화를 인간의 일생에 비유하여 한 인간의 유년, 청소년 그리고 청년과 장년으로 이어지는 성장과정의 서사를 한국적 색채와 정서가 담긴 상징적 이미지로 완성했다.
　원작은 인생을 가장 깊은 곳까지 통찰하는 탄탄한 서사구조를 갖췄다. 순수 속의 잔인함(봄·유년기), 욕망 속의 집착(여름·청소년기), 살의와 분노 속의 고통(가을·청년기), 번뇌 속의 해탈과 속죄(겨울·장년기)로 한 인간의 삶을 밀도 높게 함축하면서, 순수에서 악으로, 악에서 인간다움으로 가는 유기적인 흐름을 윤회의 순환과 맞닿게 하였다.
　명작으로 꼽히는 영화 속 서사와 그 안에 담긴 정서를 춤 무대로 온전하게 구현하기 위해 작품은 공연예술의 미장센을 한데 모아놓은 듯하다. 원형 무대를 조금씩 회전시키고 여기에 새소리, 시냇물소리, 바람과 풍경소리와 같은 자연의 음색을 더해 한정된 공간에 계절의 변화라는 시간성을 부여하는가 하면 캘리그라피, 만다라 형상 등 잘 디자인된 영상을 투사해 시각 효과를 극대화시켰다. 작품을 관통하는 오브제도 인상적이었다. 돌은 여러 장면에서 반복적으로 등장했는데, 무거운 그것을 이고지고 끌고 옮기는 고행의 모습은 삶의 본질을 찾아가는 지난한 여정과 다르지 않을 것이다.
　내면의 흐름을 따라 ‘순수’는 동자승과 여성의 유기적이며 흐르는 선의 움직임으로, ‘악’은 청년과 장년 남성의 억세고 강직한 움직임으로, ‘인간다움’의 표현은 어머니와 노승의 절제된 움직임으로 나타났다. 아울러 적재적소에 가미된 소프라노의 구음이 인간 내면의 형상을 더욱 정교하게 다듬었다. 이러한 장치들은 원작을 훼손하지 않고 충실히 반영하는 데 모두 유효했으나 다른 한편으로 무용작품에 있어야할 춤 대신 상징과 은유의 정적인 움직임과 극적 표현이 다수의 장면에서 포착되어 대사 없는 연극처럼 느껴지기도 했다.

　안영준이 이끄는 PDPC는 가족의 의의를 묻는 〈가족놀이〉를 창작산실 무대에 올렸다. 그가 집중한 ‘유사가족’은 가족과 비슷한 인간관계를 형성하는 집단을 뜻한다. 한 곳에 모인 타인들이 깊은 유대관계를 형성하고 급기야 마치 가족 같은 관계를 형성하는 사회적 상황이 이에 속한다. 그러나 실제 가족이 아닌 그들은 가족 같은 친근함을 내세워 타인에 대한 배려를 저버리거나 부당한 대우를 일삼는 경우도 허다하다.
　안무가는 ‘가족 같은 관계'에서 벌어지는 현대인의 고충을 포착하여 이를 과장하거나 억지스럽지 않게 〈가족놀이〉에 녹여냈다. 가족으로 보이는 여러 명이 무감정의 상태로 서로 잡아끌고 엉키고 뭉쳐졌다가 이내 흐트러지는 움직임을 20여 분간 연출한다. 초반의 이 장면은 가족에게 따뜻한 정을 느끼지 못한 사람들이 실제 가족이 아닌 다른 곳에서 정을 갈구하고 가족의 테두리를 확장하려는 사회 현상과 맞닿아 있다. 중반부에서 1인 가구의 증가와 함께 사회에서 형성되는 인간관계가 여러 양태로 읽히는가 하면, 뼈대만 남은 대형 철제 구조물에서 속옷 차림으로 이리저리 배회하는 마지막 장면에서는 유사가족의 불편한 사회상이 노출되기도 한다.
　사회 현상을 다루는 다수의 창작품 가운데 주제를 구체화시키는 안무와 연출력은 작품의 완성도를 가늠하는 척도가 된다. 〈가족놀이〉는 현재를 살아가는 우리의 모습을 직시한 주제로 관객의 공감을 불러일으키는 한편, 공들여 재단된 공간 안에서 열성적이지만 가감 없이 담백한 움직임을 보였다. 여기에 매끄러운 흐름으로 장면을 구성하여 이야기에 흡입력을 더했다.

　인생이라는 긴 여정을 걷다보면 목적을 잃고 헤매는 순간을 마주하게 될 때가 있다. 휴먼스탕스의 〈미아(美A)〉는 길을 잃고 방황하는 자신(迷兒)을 온전히 마주하는 것이야말로 무엇보다 아름답다는 생각에서부터 출발한다.
　블랙박스 씨어터와 대비되는 화이트 컬러의 바닥에 무용수들은 ㄱ자 모양의 판으로 미로를 만들어 길을 따라 이리저리 배회했다. 그들이 가진 하얀 색의 판은 뒤이어 차곡차곡 올려쌓아 은신처가 되기도 하고, 접었다 펴기를 반복하여 날갯짓하는 새를 묘사하기도 하는데 후반부에 등장하는 종이학과 연계되어 종국에는 진정한 자아를 찾아간다는 희망의 메시를 전한다.
　휴먼스탕스의 전작 〈Light〉에 이어 이번 작품에서도 섬세하게 공을 들인 형형색색의 조명이 시선을 사로잡았다. 더불어 종이학과 비누방울 놀이, 부드럽고 고운 선의 몸짓 등이 예쁘고 아기자기한 유미주의로 작품을 이끌었다. 자아실현의 성장 드라마를 설득력 있게 귀결시키기 위해서 결과와 명확하게 대비되는 성찰과 변모의 과정을 더욱 부각시킬 필요가 있어 보였다.

　이동원의 〈가상리스트〉는 가상과 현실이 혼용된 허무주의로 인간의 삶을 바라본다. 안무가가 표현하려는 가상이란 인간의 욕망 때문에 감각기관, 지성, 판단력, 이성과 같은 모든 인식능력이 오류를 일으켜 나타난 현상이다. 작품은 ’인간의 욕망’과 ‘가상과 현실의 차이’를 중심으로 움직임을 이미지화 한다.
　대학로예술극장 소극장의 계단식 객석을 없애고 대신 세 벽면을 따라 의자를 놓아 관객과 퍼포머의 눈높이를 맞췄다. 한 쪽 벽면에는 LED 스크린을 바닥부터 천장까지 이어지게끔 설치하고 이미지 영상의 환영과 실제 무대 위의 무용수들을 교차시키는 방식으로 가상과 현실의 경계를 희석시켰다. 가상인지 실재인지 혼란스러운 여러 가지의 장면들을 나열하면서 관객을 상상 속 유희 공간으로 초대하는데, 만찬을 즐기다 어느 순간 하늘에서 낙하하더니 햇볕이 내리쬐는 해변에 놓이고 잠영으로 바다를 헤엄치다가 수면 위로 나오니 정글이 되는 등 시공간을 뛰어넘어 맥락도, 현실감도 없는 장면들을 빠르고 실감나게 전개하는 방식이다.
　〈가상리스트〉에 오른 욕망의 단편들을 일람하는 한 시간은 가상현실을 체험하는 듯한 몰입을 가져왔다. 영상과 실제의 교차지점이나 감각을 투여하고 관객이 인지하는 방식을 섬세하게 보완하여 다음 버전에서는 더욱 완벽한 현실감을 선사해주었으면 하는 바람이다.

　춤비평가 장광열은 “한국문화예술위원회의 창작산실 지원사업이 지속적으로 이어지면서 춤부문의 경우 50분 내외의 장편 창작과 레퍼토리 작업을 위한 인큐베이팅 기능을 어느 정도 소화해 내고 있다. 다만 일부 안무가들의 경우 과도한 무대미술과 소품의 사용이 오히려 움직임을 기저로 하는 무용예술 작품의 밀도를 떨어뜨리는 양상을 보이기도 했다”고 촌평했다.